Думаю, надо уже закончить с обзором.

Как я уже писал, первая глава — это скорее развёрнутое вступление, где автор рассказывает, чем коммерческая фотография отличается от художественной, и в чём заключается художественность этой художественной фотографии.

Вторая глава — о композиции в широком смысле слова.

«...художественная фотография — это, в том числе, и скрытое послание, а теория композиции — если и не универсальный ключ, то подсказка к поиску тайного смысла.»

И вся глава посвящена тому, как пользоваться этим ключом. Речь идёт о том что такое композиция вообще (нет это не правило третей), о том как люди воспринимают изображения, как на снимке передаётся перспектива и объём и так далее. Это самая сложная часть книги: здесь много теории, сложносочинённых предложений и анализа фотографий (да-да, когда на фотографии рисуют разные кружочки и линии). Вместе с тем, она самая важная и нужная. Потому, что объясняет, почему одни снимки хорошие, а другие — не очень. Возможно, после этого вы иначе посмотрите на некоторые известные кадры, или поймёте почему одни фотографии вам сразу нравятся, а на других «чего-то не хватает».

Третья глава «От гелиограмм к стрит-фотографии» — это очень-очень краткая, а потому поверхностная история фотографии. Может быть полезной, если вы вообще ничего не слышали про пиктореалистов или агенство Магнум.

Четвёртая глава — это отвлечённые рассуждения автора о том как развивается художественная фотографии, и много-много цитат.

Саму книгу можно скачать на сайте автора, там же ссылки, где купить бумажную книгу.

Я продолжаю читать книгу Антона Вершовского «Стрит-фотография, открытие плоскости». Заканчивая первую главу, он размышляет о том, какую фотографию можно назвать художественной, и в чём эта художественность заключается. И в своих рассуждениях он цитирует известную работу Зигфрида Кракауэра — «Природа фильма» (1960).

Основной эстетический принцип, по мнению Кракаэра, заключается в том, что «произведения того или иного искусства эстетически полноценны тогда, когда они создаются на основе специфики его выразительных средств. И напротив, если произведение чем-то идет вразрез этой специфике— скажем, имитирует эффекты, более „естественные“ для другого искусства,— оно вряд ли будет эстетически приемлемым».

Что же отличает фотографию от других видов искусства? Кракауэр отмечает четыре особенности фотографии: непостановочность, случайность, незаконченность, смысловая неопределённость.

«Первая. Фотография явно тяготеет к неинсценированной действительности. Снимки подлинно фотографичны тогда, когда в них чувствуется намерение автора воспроизвести физическую реальность в том нетронутом виде, в каком она существует помимо него. Иногда границы между инсценированными и неинсценированными условиями почти неуловимы.

Вторая. Тяготение фотографии к неинсценированной действительности определяет ее склонность подчеркивать элементы ненарочитого, случайного, неожиданного. Случайные события—лучшая пища для фотоснимков.

Третья. Фотографии свойственно передавать ощущение незавершенности, бесконечности, возникающее от подчеркивания элементов случайного, которые на фотографии, будь то портрет или уличный снимок, запечатлеваются скорее частично, нежели полностью. Фотография хороша только тогда, когда она не оставляет впечатления законченности. Рамка фотокадра—лишь условные его границы; его содержание связано с содержанием остающегося за рамкой; его композиция говорит о чем-то невместимом — о физическом бытии.

Четвертая, и последняя. Фотография склонна передавать ощущение неопределенного содержания, смысловой неясности. На самом деле, поскольку фотограф отбирает содержание своих снимков, он и строит композицию и наделяет их смыслом. Запечатлевая натуру, фотографии наряду с этим отражают и попытки автора постичь и разгадать ее. Но в основном никакой отбор не лишает фотографии склонности к неорганизованному и несобранному, придающей им документальный характер. Поэтому смысловая неопределенность и многозначность, окружающая фотографии словно бахромой, неизбежна».

По идее, чем сильнее на снимке выражены эти 4 особенности, тем большее впечатление должна производить фотография. Сравним известный портрет Сальвадора Дали и фотографию Евгения Канаева.

Вопрос: на каком снимке больше сюрреализма?

Читаю книгу Антона Вершовского «Стрит-фотография, открытие плоскости». Книга состоит из 4-х глав. В первой главе он рассказывает о трёх типах фотографии, которые отличаются тем, как фотографы подходят к съёмке и какие цели они перед собой ставят.

Массовая любительская и коммерческая фотография исходит из принципа: «Главное — объект съёмки». Цель фотографа максимально ярко и полно раскрыть свойства этого объекта. Объектом может быть что угодно: человек, предмет, место, явление, событие. Поэтому кадры закатов не сильно отличаются от снимков с котятами или обнаженными женщинами. Счастливые невесты, средневековые церкви, небоскрёбы, скалы, жуки с каплями росы на панцире, мотоциклисты на вираже, звёздное небо, детские улыбки, толпа в карнавальных костюмах, еда на тарелке, пуля в полёте — всё это объекты. И они должны быть красивыми, или необычными, или возбуждать сильные эмоции.

«Характерная черта такого восприятия — зритель, он же зачастую и фотограф-любитель, не разделяет в своем сознании достоинства фотографии и объекта, который на ней изображен. Красивый объект для него равен красивой фотографии. Интересный сюжет равен интересному снимку. Поэтому можно сказать, что неподготовленный зритель не способен видеть собственно фотографию — он видит лишь предмет.»

За примерами далеко ходить не надо, зайдите на любой фотосайт или в ленту своего инстаграма.

Второй подход опирается на принцип: «Главное — самовыражение автора». В этом виде фотографии, которую автора книги называет «субъективистской», внешний мир вообще не важен, важны переживания автора, которые он пытается донести до зрителя. Его персональный опыт, отношение к миру или просто необычная техника съёмки. Именно поэтому фотографы-творцы с удовольствием снимают на просроченную плёнку или через цветное стекло, или на просроченную плёнку через цветное стекло с чулком на объективе. Их работами можно восхищаться, но не пытаться повторить или понять.

Пример — серия «Калифорния» Джона Чиары. https://www.lensculture.com/articles/john-chiara-california. Он снимает пейзажи на огромную самодельную камеру-обскуру, получая сразу готовое изображение безо всяких фотошопов или проявителей. Фотографии выглядят вот так.

Третий подход к фотографии основывается на том, что ценно само изображение, а не сфотографированный объект или чувства фотографа.

«Глядя на изображение, нужно видеть не только объект, но и изображение само по себе. Целью художественной фотографии является создание ограниченного рамками участка плоскости, заполненного формами, линиями, тонами и цветом таким образом, что он объединен в целое композиционными и смысловыми связями между элементами, и главное — несет красоту и смысл, отличные от тех, которые уже содержались в реальности.»

Звучит немного сложно и запутано. О чём идёт речь проще понять, если просмотреть на пару фотографий ниже (автор Мэтт Стюарт если что). Как видно тут есть и смысловые связи, и связи по сходству, причём связи существуют только на изображении. В реальности жест модели с плаката никак не связан со спящей женщиной, как и колесо обозрения с велосипедистом.

Если провести параллель с литературой, то первый подход даёт нам интервью с метеорологом в местной газете, второй — рассказ вашего друга, как он застрял на машине в сугробе, а третий — стихотворение «Мороз и солнце, день чудесный!»

Подводя итог: прежде, чем оценивать чужие, да и свои фотографии стоит задуматься о том, какой рода фотографию мы видим: любительскую, документальную, коммерческую, арт-работу, упражнение в технике съёмки или художественную фотографию.